ARTE E CRIATIVIDADE III

No processo de criação podemos destacar atividades físicas, intelectuais e psicológicas, que combinadas se estruturam em determinadas formas de expressão.

A criatividade compreende:

A sensibilidade, para perceber, sentir; a imaginação, para criar; o gosto, para selecionar; a memória, para reter; a inteligência e intuição para organizar; a vontade, para realizar. A vontade sobretudo, é  elemento indispensável à criatividade. Sem ela de nada adianta os outros elementos.

A criatividade passa por etapas que vão da motivação à realização. Se vemos determinada coisa que nos sensibiliza, uma paisagem, as manchas de um muro velho, as nuvens que se formam no céu. Ouvimos determinada música, lemos um trecho de um poema ou de uma estória. Desejamos expressar aquela emoção que a música ou o poema nos proporcionam.

Às vezes queremos transmitir um sentimento que o mundo nos sugere: a conquista espacial, a miséria do nordeste, nossas recordações de infância.

Nossa sensibilidade foi motivada para a criação.

Mas, para que este sentimento se transforme em arte, é necessário que ele passe do plano do irreal para o real, do inconsciente para o consciente, da fragmentação de ideias para a seleção e organização, do sentimento estético para a estética. Sentir, agir, pensar e organizar, são constantes na criatividade.

A arte reúne aquilo que é latente em cada pessoa humana, as informações que lhe chegam de fora através do meio social, ou dos meios de comunicação. Aí incluímos teorias, escolas, artesanatos  e também o conhecimento das técnicas artísticas.

*Fotos da internet

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.

TRÊS MÚSICOS, TRÊS MENSAGENS

A casa do Artur

É permeada de música

São três músicos

Com idades

Diferentes

Vivendo em

Mundos do eterno

Imutável

Agora.

Acordo pela manhã

Escutando

O som da marimba.

O Artur está de pé

Estudando

Celebrando no

Compasso

Retirando dos vidros

O ritmo da vida

Que renasce a

Cada instante.

Da varanda

Da fazenda

Escuto o som

Da flauta do

Alexandre.

Música erudita.

Os sons vão mergulhando

Em outros sons

Que vem das estrelas

De mundos superiores.

Dos sons da natureza

Do canto dos pássaros.

A música nos

Conduz.

Somos parte do

Universo.

Somos Um com

A natureza.

A flauta vai nos

Conduzindo

Para longe.

Ela mergulha

Nas fontes

E nos rios

Vai além dos

Mares , dos ares

Para mundos paralelos.

Regina me convida

Para ouvir

Sua última criação

Musical.

Música para cura.

Ainda não foi lançado

Mas já está produzindo

O efeito desejado.

A música chegou do espaço

Em vários momentos

Onde a terra se une

Aos céus.

Escuta a música

Da vida

Da grande mãe

Que marca o

Compasso da

Existência.

Todos nós sentimos a

Presença de uma força

Superior

Conduzindo estes sons!

*Fotos da internet

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA

EXPOSIÇÃO DE LÓTUS LOBO

Estamos na Galeria do Centro Cultural Minas Tênis Clube, num salão de uma brancura deslumbrante, onde aos poucos vai surgindo a mostra de Lótus Lobo, conhecida artista de Minas Gerais, gravadora e mestra da Escola Guignard, onde deixou vários seguidores no campo da gravura.

Antes de entrar para o Atelier de Litografia de Thais Helt, a Oficina 5, aprendi muito com a gravura de Lotus Lobo. A exposição nos convida a pensar sobre nossos antepassados, produtores de pequenas fazendas.

Lotus nos trouxe de Juiz de Fora, de uma fábrica fechada, as pedras litográficas relegadas ao esquecimento e resgatadas por um olhar de artista e pesquisadora.

Hoje, na arte contemporânea, os artistas são também pesquisadores. Eles nos apresentam obras que não são realizadas apenas para decorar paredes. Suas obras permitem a todos, momentos de reflexão.

Lotus redescobriu a mensagem escondida nas pedras litográficas e, como gravadora, organizou uma série de quadros, painéis, tendo como base os desenhos feitos em épocas anteriores. Ela nos conta a história do nascimento da era industrial em Minas Gerais.

Os desenhos fazem lembrar a art-nouveau de inspiração europeia, adaptados para uma divulgação muitas vezes  ingênua, mas de grande valor publicitário.

Os pequenos fazendeiros de Minas Gerais, fabricantes de uma manteiga de qualidade, chegaram a exportá-las para outros países  em grandes latas com desenhos sugestivos. Algumas latas vinham com nomes de mulheres: Odete, Juracy, Cidinha, Maria de Lourdes, etc.

Percorrendo a exposição aprendi muito da história de Minas, através dos fazendeiros que usaram a era industrial para mostrar ao mundo  que Minas Gerais não é somente um estado de riquezas extraídas da terra. Minas também produz um leite de qualidade, e é deste leite, retirado de nossas vaquinhas que se fabricou manteiga vinda de várias regiões, inclusive de Entre Rios de Minas. E os queijos, tão apreciados por todos nós.

Saí da exposição motivada para visitar os pequenos produtores do nosso queijo.

E não é preciso ir longe. Muito perto de mim, na fazenda Luiziana, o Euler, meu filho, está se dedicando com o maior carinho a esta produção.  Decidi ir visita-lo no local de trabalho para aprender um pouco com este artista que, de forma modesta, sem grande publicidade, tem produzido um queijo artesanal que recebo em minha casa semanalmente.

Parabéns à artista Lotus Lobo que, com sua exposição de alto gabarito, foi nos conduzindo para dentro de nós mesmos, em nossas terras, para aprender com os mais jovens um artesanato rural de grande valor para nossa saúde.

Amanhã devo ir à fazenda e vou conhecer esta fábrica de queijo que até hoje não pude visitar.

*Fotos de Ivana Andrés

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.                                              

ARTE E CRIATIVIDADE II

A arte expressa o que o homem tem de pessoal, mas também o que ele tem de universal. E é justamente dentro desta universalidade que a comunicação se faz mais veemente, universalidade que não compreende apenas uma geração, mas a totalidade de gerações presentes, passadas e futuras.

Por exemplo, não vivemos na Idade Média e no entanto nos comovemos com as catedrais medievais. Não estamos no ciclo do ouro em Minas Gerais, e até hoje a arte barroca nos sensibiliza.

A arte mexicana, a arte do Peru, feitas por índios inteiramente desligados do contato com a civilização ocidental, despertam em nós admiração por um passado glorioso, essencialmente criador.

Há, portanto, elementos universais na obra de arte, que comunicam às outras gerações a linguagem artística.

Esta linguagem parte do subjetivo para o objetivo, do particular para o universal.

Mesmo em nossa época de constante mecanização da vida, ainda conservamos a liberdade de sentir e pensar individualmente, mesmo que estes pensamentos não se ajustem às nossas ações.

Nos Estados Unidos, Andy Warhol usou propositalmente processos mecânicos para se expressar. Evitou qualquer contato com a tela a ser pintada. Dizia ele: “somos ensinados a pensar pelos meios de comunicação, comemos os mesmos alimentos manufaturados, nossas roupas vêm em tamanhos padrões, o individualismo desaparece cada vez mais.” E prossegue: “o motivo de estar pintando dessa maneira é porque quero também ser como uma máquina, mas, seria terrível se todos o mundo fosse igual”.

Mesmo Warhol, reconhecendo sua mecanização, a quer individual. Seria realmente terrível se todo mundo as padronizasse . É justamente a oposição dos contrários que totaliza uma civilização. Daí  brotam novos caminhos, novas ideias.

Aos estímulos do meio, cada indivíduo reage a seu modo. Vivemos numa mesma cidade, assistimos aos mesmos programas de TV, lemos os mesmos jornais. Mas nossas reações diante do que nos é proposto de fora diferem de acordo com nossa personalidade.

Quando sentimos e pensamos, somos livres, quando agimos, nem sempre somos livres.

Para isso, basta lembrar que somos diferentes uns dos outros, não só física, como psicologicamente. E é justamente atendendo a estas diferenças individuais, que teremos sempre formas variadas de expressão artística.

*Fotos da internet

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.

ARTE E CRIATIVIDADE I

A criatividade acha-se ligada ao processo de percepção, pensamento e ação corporal, diz Herbert Read em seu livro “Arte e Educação”.

Procurando refletir sobre estas palavras, teríamos a arte como unificadora destes 3 elementos, como forma de equilíbrio do homem, harmonizando aquilo que ele tem de individual com a natureza que o cerca, as ideias e informações recebidas de fora, o comportamento da sociedade que o rodeia, e nesta época das comunicações rápidas, também com o mundo em que ele vive.

A criatividade é, portanto, forma de equilíbrio, de harmonia, de modificação de comportamento humano.

A ausência de criatividade conduziria a civilização ao caos. Imaginemos um mundo sem homens criadores. Não seria um mundo de animais ou robôs mecanizados?

Das civilizações primitivas as mais avançadas, os homens reagem aos estímulos que lhes veem do meio, criando no campo da ciência, da arte e da filosofia, procurando edificar, construir, progredir.

Na poesia eles se expressam através da palavra; na música combinam sons, na dança procuram o ritmo e a expressão corporal. Criam formas novas na arquitetura, escultura, desenho, gravura, enxergam ângulos diferentes na fotografia.

Criar, na esfera da arte, é portanto acumular percepções, sensações, vivências, e organizá-las de determinada maneira.

O homem cria porque sente necessidade de expressão, de comunicação.

Além de unificar as emoções humanas, a criatividade é também portadora de uma mensagem, de um sentido. A mensagem da arte concretiza-se no espaço e perpetua-se no tempo. A comunicação artística não é feita, portanto, para ser consumida imediatamente, como a propaganda.

O que interessa à propaganda é a mensagem para o momento. Mas se esta propaganda for artística, alcançará outros momentos no futuro.

Temos como exemplo os cartazes de Toulouse Lautrec, os anúncios das peças de Sarah Bernhard. Através de elementos artísticos que eles contêm, sua mensagem nos vem do passado e nos alcança no presente.

*Fotos da internet

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA

A FLAUTA DE ALEXANDRE

Seguimos

Pela estrada

Mandando

Mensagens

Telepáticas

Para os carros

Andarem

Mais rápido.

Chovia devagarinho

Molhando os vidros

Do carro.

Em nossa frente

Uma fileira

De luzes

Vermelhas acesas

Dentro da neblina.

Chegamos com

Algum atraso na

Universidade.

Ali estava

Meu neto

Alexandre

No meio do

Palco.

Tocando uma peça

De Mozart.

Me lembro do

Alexandre

Aos doze anos.

Tocando Mozart

Junto com Artur

Seu pai.

Foi na casa de

Marília

No meu aniversário.

Empolgou a plateia

Com sua flauta

Em duo com o

Pai.

Os dois me acompanham

Nas exposições

E nos grandes eventos

De minha vida.

Sempre a flauta

Elevando as vibrações

Para o alto

Como um gorjeio

De pássaros.

No momento

Alexandre

Está sozinho

No palco circular

Da Universidade.

O concerto é uma

Prova de doutorado.

Foi realmente emocionante

Sentir o neto

Trazendo energia positiva

Para a plateia.

E se preparando

Para ser doutor...

*Fotos de arquivo

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.

ARTE NO COTIDIANO

Na zona rural, o aproveitamento de objetos para outra finalidade é comum. Assim, uma banheira daquelas antigas, pode se transformar em bebedouro para o gado. Já vi muitas vacas bebendo água nas banheiras e fiquei pensando: as madames de antigamente já tomaram seus banhos, depois as banheiras caíram em desuso, agora estão matando a sede das vacas.

Uma das características mais positivas da arte contemporânea é a sua profunda ligação com o cotidiano e com a vida.

É o mundo interno do ser humano que precisa vir à tona e ser conscientizado.

No Oriente esta conscientização é feita através da meditação e do autoconhecimento.

No Ocidente a ação criadora das artes promove a abertura de consciência e o crescimento interno.

A inteligência emocional se expressa de forma espontânea, nas obras de arte ligadas à emoção – expressionismo, fovismo, abstracionismo, ora lírico, ora informal e violento, trágico ou pessimista.

A inteligência mental se organiza nas composições concretistas, construtivistas, cubistas, etc.

Foi necessário um esvaziamento de todas as tendências para que a arte chegasse até o cotidiano.

Foi preciso a dessacralização dos ícones e a quebra do mito do artista.

Para descer ao cotidiano, a arte teve de abrir mão do seu caráter elitista.

Qualquer objeto, por mais vulgar que seja, tem a sua própria dignidade e nas mãos do artista pode ganhar novas formas.

Escutei o depoimento de uma professora: meus alunos ficaram radiantes diante de uma exposição contemporânea. “Podemos criar com latinhas, caixotes, isso nós temos em casa...”

Hélio Oiticica uniu sua energia de criatividade a um bloco carnavalesco.

Quando a arte se dessacraliza e se confunde com a vida, já não pode mais ser analisada nos termos tradicionais de arte, ela é a própria vida se manifestando.

*Fotos da internet

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.

MINHA PARTICIPAÇÃO NO CONSTRUTIVISMO BRASILEIRO

Pediram-me para fazer uma palestra no CCBB de Belo Horizonte sobre a minha participação no movimento construtivista brasileiro, como representante de Minas Gerais. O texto abaixo é uma síntese de todos os meus artigos já publicados sobre o assunto.

“A exposição Construções sensíveis: A experiência geométrica Latino-Americana na coleção ELLA FONTANAIS-CISNEROS, traz ao Brasil um recorte da abstração em nosso continente. Junto ao importante legado do concretismo e neoconcretismo brasileiros, são apresentadas as poéticas abstratas que prosperaram em outros países a partir dos anos 1930.”(Extraído do catálogo da exposição Construções Sensíveis, no CCBB de Belo Horizonte)

Percorro uma exposição que nos remete ao passado, ao Construtivismo que percorreu o mundo  e veio nos mostrar o quanto somos irmãos. Realmente, somos parecidos, mesmo que não tenhamos tido a oportunidade de um encontro pessoal. Existe o encontro espiritual, encontro de sensibilidades semelhantes. O construtivismo vai nos mostrando a identidade dos  artistas. Ele veio da Europa e encontrou na América Latina seus irmãos espirituais.

Os construtivistas europeus vieram da Rússia, desceram até a Alemanha e a França, e, por motivo de guerra, chegaram às Américas.

Os Estados Unidos  acolheu os imigrantes artistas, tais como Mondrian.  Ali ele se redescobriu, ficou famoso.

A Argentina e o Uruguai receberam a mensagem construtiva, através da arte e do pensamento de Torres Garcia e Maldonado. Torres Garcia  buscava o espiritual na arte e a redescoberta dos povos primitivos das Américas.

O Brasil tornou-se o grande difusor das ideias construtivas. No nosso solo floresceram artistas plásticos, poetas, críticos, tendo a Bienal de São Paulo como a grande difusora.

O construtivismo chegou até as montanhas de Minas e ali encontrou jovens artistas que aderiram ao movimento.

Fiz parte deste movimento.

O Construtivismo na década de 50, nos propunha disciplina, concentração, limpeza de cores, uma arte mental, intimista, sem impulsos emocionais. Cultivava-se a virtude da paciência. Os quadros levavam meses para serem feitos e o instrumento usado na época para se conseguir uma linha perfeita era uma espécie de caneta ou bisturi, chamado tira-linhas, instrumento gráfico em desuso hoje em dia, na era do computador. Com as linhas paralelas eu fazia postes de luz e partituras musicais. Gostava de ficar horas pintando, porque me fazia bem à alma.

Passar pelo construtivismo foi para mim uma lição de vida. O fazer artístico significava crescimento. A integração de varias áreas das artes, necessária a uma revisão de valores, era um dos pontos mais importantes do movimento construtivista que surgiu a partir da primeira Bienal de São Paulo. Poetas, músicos e pintores se uniam dentro do mesmo ideal estético dando prioridade à pureza da forma. O grande incentivador do construtivismo  foi o crítico de arte Mário Pedrosa, que visitava os artistas em seus ateliês e muitas vezes chegava até Minas Gerais para acompanhar o trabalho dos artistas mineiros que buscavam uma arte pura, desligada dos padrões figurativos. Os júris de seleção das primeiras Bienais, que às vezes eliminavam 90% dos trabalhos apresentados, eram o grande teste a ser enfrentado. Naquele tempo não existiam curadores de arte e os artistas se dispunham a passar por essa experiência.

A aprovação na Bienal era a minha chance de descer das montanhas e viajar para São Paulo, encontrar os amigos companheiros de jornada, participar dos eventos internacionais e estudar o pensamento dos grandes artistas abstratos europeus. Trocava ideias com os paulistas Maria Leontina, Milton Dacosta, Arcângelo Ianelli e Volpi. Todos tínhamos vindo de antecedentes figurativos e isto transparecia em nossos trabalhos. Não havia a preocupação matemática dos concretistas suíços, seguíamos o comando da sensibilidade e da intuição. Naquela ocasião as ideias espiritualistas de Kandinsky começaram a me acenar como uma estrela luminosa. Os grandes pintores abstratos europeus, principalmente os da vanguarda russa, não se limitavam aos aspectos formais; tinham uma busca interior, um contato direto com níveis mais profundos de consciência.

 O rompimento com a figura e o tema indicaram também direções novas para a escultura brasileira. A exposição do artista suíço Max Bill no Museu de Arte de São Paulo em 1950, impulsionou a nova geração de escultores ao questionamento dos moldes tradicionais da escultura figurativa, para abraçar a forma tridimensional pura. Do grupo de Minas, três artistas escultores aderiram ao movimento: Amílcar de Castro, Franz Weissmann e Mary Vieira. Mais tarde, Mary deixou o Brasil para se radicar na Suíça, onde se tornou uma aluna e seguidora de Max Bill vindo a ser uma artista de renome internacional.

Repensar o construtivismo  é também repensar os caminhos por onde passamos. Aqui em Minas Gerais a nossa visão da arte vinha dos antecedentes líricos de Guignard. Um pequeno grupo se reunia no ateliê de Marília Gianetti, projetado pelo arquiteto Sylvio de Vasconcellos. Marília Gianetti, Mário Silésio, Nely Frade e eu formávamos o grupo de pintores que na década de 50 encontraram o seu próprio caminho dentro da arte não figurativa.

No Museu do Índio, no Rio de Janeiro, procurei observar com atenção os caracteres geometrizados em todo artesanato indígena, nas cestarias, cerâmicas e até na pintura corpórea. Muito antes da chegada dos europeus, mergulhados nas florestas, seguindo o ritmo natural da vida, os índios buscavam o equilíbrio também em suas manifestações artísticas.

Observavam a pele dos animais, onças, lagartas e dali partiam para a busca da ordem e da simetria em seus padrões geométricos.

Nossos antepassados se manifestavam de forma construtiva, um construtivismo orgânico e espontâneo.

 O construtivismo brasileiro também buscou alcançar este equilíbrio e ordem. O movimento construtivista que se propagou pelo Brasil na década de 50  foi uma integração  perfeita do que veio da Europa com o que já existia dentro de nós.

O construtivismo sensível não acaba nunca, porque ele é o mensageiro de uma paz que existe dentro de todos nós.

Esta paz, os artistas buscaram por meio de obras de grande beleza e serenidade.

O desejo de paz veio à tona numa época de grandes guerras.

Duas grandes guerras na Europa, várias ditaduras pelo mundo.

Todos passaram para a história, os artistas morreram, mas sua arte continua viva, trazendo até nós o desejo da paz que os inspirou.

O construtivismo é uma meditação.

Mergulhados no silêncio de sua própria interioridade os artistas transcenderam a violência e a opressão.

Percorrendo as salas desta exposição vou sentindo cada vez mais o poder da arte de transmutar energias.  Revejo os Bichos de Lygia Clark, os Metaesquemas de Hélio Oiticica, as telas construtivas de Volpi e Ivan Serpa, os objetos de Ana Maria Maiolino e Mira Schendel.

Caminhar pela exposição é encontrar as origens, a expansão e o sentido deste movimento que percorreu o Brasil na década de 1950.

No momento, todo o meu trabalho está inspirado no que eu fiz nos anos 50. Os meus desenhos construtivistas da década de 50 foram tridimensionados com a ajuda de minha neta Elena Andrés Valle, transformando-se em esculturas de aço. Recentemente, retomei o construtivismo de uma forma mais espontânea, através de uma série de colagens.

*Fotos de arquivo

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.

CELSO RENATO, 100 ANOS

A série de pinturas construtivas de Celso Renato, no momento em exposição na Grande Galeria do Palácio das Artes marcou a sua presença definitiva no cenário das artes plásticas de Minas e do Brasil. Percorrendo a mostra, reproduzo aqui trechos dos depoimentos de Claudia Renault, Marcio Sampaio e Amílcar de Castro, amigos do artista e admiradores de sua obra.

 “Celso aparece nos anos 60, no cenário das artes de Belo Horizonte, já como um homem maduro, com uma pintura expressionista, com traços fortes e largos. A ideia é de um sujeito à procura de si, da sua alma, na maneira mais íntima de se expressar.

É nesse momento que as coisas do mundo começam a conversar com ele. Celso parece escutar o silêncio e outros materiais que não a tela. Nessa hora ele revela a sacralidade das coisas mais rudes. É com um gesto mínimo, certeiro, de quem lança uma seta, que Celso Renato inicia suas intervenções nas madeiras – restos de materiais de construção civil. Uma vez que o material utilizado já carrega em si texturas, falhas, pregos, Celso inclui esses materiais e cria uma relação muito especial entre sua proposta geométrica e a organicidade do suporte. É nesses tapumes que o artista enfatiza as formas e revela a sacralidade e a verdadeira alma das coisas. Nessa hora lembro-me de Manoel de Barros ao dizer que as “coisas sem importância são bens de poesia”. Celso Renato me ensinou isso antes de Manoel. Ele retira do refugo da madeira e trava com ela um diálogo. Nesse diálogo amoroso com a matéria, dá vida ao que já estava perdido.

É com suas interferências com a madeira que Celso marca presença nas artes plásticas do Brasil e do mundo. Estabelece uma conversa com deuses e ancestrais. Formas e cores puras que nos remetem a rituais, conversas veladas com povos que fazem arte com verdade, como religião, como necessidade de registro da existência.” (CLAUDIA RENAULT, curadora)

“O trabalho atual de Celso Renato parte dessa experiência, desse diálogo com a matéria. Sua arte só é possível na medida em que a matéria respondeu a seu apelo e se entregou totalmente para que a mão a detenhe e a transforme.. O suporte é a madeira que ele encontra nas construções – já usada, recosturada, escarificada pelo uso e condenada à deterioração – e que o artista recupera , modificando-a com traços, formas pintadas, sempre seguindo as sugestões que lhe trazem as erupções naturais e os acidentes sofridos antes pela própria matéria.” (MARCIO SAMPAIO)

“É madeira de construção

Cheia de sinais, riscos e ranhuras

Frinchas, frestas, buracos e rachaduras

São algumas tábuas juntas a martelo

Com pregos aparentes

Às vezes aparecem pedaços como tramelas

Tramelas de portas que não se abrirão jamais.

Como se guardando imenso segredo perdido

Segredo agora revelado

E que mostra o caminho dia

Da noite

Do sol esquecido

Que volta a nos envolver

Na música de tambores longínquos” (AMILCAR DE CASTRO)

Fotos de Ivana Andrés

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.

ARTE NA CONTRA CULTURA II

Dou continuidade ao artigo "Fluxus", que escrevi para o jornal "O Estado de Minas".

“Fluxus” pode ser considerado exemplo da busca do humanismo na arte. Segundo a apresentação da exposição, “Fluxus” nasceu em 1961, a partir da liderança do lituano George Maciunas, tendo como origem a rejeição aos valores que cercavam as “artes eruditas” e o caráter comercial que dominou o mercado internacional de arte após o fim da Segunda Guerra Mundial. “Fluxus” foi o último grande movimento coletivo de artistas em torno de ideias de transformação da cultura e da sociedade. Maciunas dinamizou o movimento de contracultura, valorizando a criatividade que existe em qualquer ser humano.

O descondicionamento de receitas e fórmulas que aprisionam a arte e a mudança dos valores tradicionais permitiram que aquele movimento se estendesse às pessoas comuns, sem qualquer ligação com críticos, marchands ou professores de arte. Maciunas escreveu um manifesto verificando no dicionário o significado da palavra “fluxo” selecionando todas as definições que tinham conotações de mudança, purificação, fluidez e fusão.

Participaram daquele movimento artistas como Yoko Ono, George Brecht, John Lennon, Roberts Morris, Joseph Beys e vários outros, que integraram festivais, debates e exposições.

A mensagem de “Fluxus” ultrapassou as fronteiras da Europa.

Havia no mundo a necessidade de protestar contra o consumismo, o imperialismo e as guerras, contra o massacre de inocentes e o crime organizado em forma de poder.

Quem contempla a exposição pode sentir a denúncia explícita dos grandes criminosos de guerra do nosso tempo, sedentos de expansão. George Maciunas lançou sua denúncia contra a violência, os massacres realizados pelos nazistas na Europa, o genocídio dos índios americanos pelos espanhóis e o sofrimento da população civil na guerra do Vietnã.

Ao mesmo tempo que denunciou a opressão como impressionante bandeira da morte, também levantou a bandeira da paz, com o incentivo ao budismo zen e às práticas de meditação. A meditação busca o ser interno e a intuição que está além da mente fragmentada. O budismo zen não é uma religião, mas incentiva um modo de viver criativo e espontâneo. Chegando aos EUA na década de 60, as práticas de meditação ganharam adeptos em vários artistas da Action Painting ou expressionismo abstrato e nos jovens que largaram o conforto das famílias, o consumismo e os bens materiais para viverem em comunidade.

Os Beatles trouxeram da Índia práticas de meditação e, através da música, divulgaram sua mensagem de “paz e amor”. Era necessário vivenciar o “agora”, o eterno presente”, e saber viver de forma simples e despojada.

A importância dos movimentos de contracultura está no fato de que eles promovem mudanças no comportamento passivo da sociedade, abrem indagações, despertam novos horizontes.

“Fluxus” me fez refletir mais uma vez sobre a capacidade intuitiva dos movimentos artísticos que, movidos por um impulso energético universal, buscam a libertação da violência e a harmonia planetária.

*Fotos da internet

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.