A PINTURA ESPACIAL DE MARIA HELENA ANDRÉS

 

Celma Alvim, crítica de arte atuante durante muitos anos em BH, era antes de tudo uma grande amiga de todos.

Ela procurava enxergar nos quadros a alma poética dos artistas que se expressavam em formas linhas e cores.

Transcrevo abaixo um texto de Celma sobre a minha fase Espacial:

 “Ligando-se à uma temática de postura universal, Maria Helena Andrés, desde 1966, esquadrinha os cosmos, intui a rota de foguetes voadores, antecipa Aldrin e Armstrong em absurdos fantásticos roteiros postos nas telas, com toda força de figuração pressentida e imaginada. 

Superando equivalências a um estágio da civilização culminante nas conquistas espaciais, sua arte atual caminha no sentido de um movimento impulsor que funde, na luta e na aventura científica, os componentes de um espírito repartido entre a dramaticidade (fase de guerra)

e o lirismo (fase dos barcos).

Figurativo imaginário

A artista, que nunca foi uma abstrata por excelência em que pese a influência do informal, da Action Painting, a partir de 1961, quando fez um curso de especialização nos Estados Unidos, joga com o figurativo imaginário, ligado a uma ideia central que estrutura o quadro e dá-lhe um arcabouço para composição, nunca a fluidez só de espaço e de cores habilmente lançadas. Neste particular, convém que se diga que na própria fase concretista de Maria Helena Andrés as formas abstratas geométricas sugeriam “cidades iluminadas”

revelando-se um significado, um fio de ligação à coerência e ao nexo.

Em toda a sua obra há uma necessidade de mutação, um sentimento nômade de percorrer terras, espaço e mares numa constante contraposição ao estático. A fantasia, em largos lances, incompatibiliza o cotidiano, a pormenorização do dia a dia, força a superação da realidade, o vislumbre da vida em gradação imaginária e fantástica.

Na sua condição de excelente colorista, Maria Helena emprega preferencialmente cores fortes, consentâneas à sua personalidade, pois a sua pintura é ela própria, nas suas concepções, na sensibilidade, no apurado sentimento de humildade, na eterna fuga das coisas sem alma e dos fantasmas de toda espécie que povoam o profundo deserto da vida. A afirmação de sua forte personalidade e a impressionante unidade de sua obra artística emergem das cores vivas, mas transparentes, dos traços negros e incisivos, mas metálicos, de seus quadros. 

É que a realidade, circunscrita ao mundo material, não lhe basta. Ela, nas cores transparentes, quer ver além dos objetos e dos corpos. Nos traços metálicos, pretende iluminar essas realidades com o brilho do espírito e da sensibilidade.

Exposição

No próximo dia 5 de Agosto, na galeria do Copacabana Palace, a artista estará expondo 20 trabalhos desta série intitulada “Espacial”. De certa forma antecipada em Minas – através da Sala Especial a ela dedicada no Salão dos Destaques nas Artes 68 – esta mostra é apresentada em catálogo por Paulo campos Guimarães, layout de Eduardo de Paula e fotografias de Maurício Andrés.” (Celma Alvim, Jornal “Estado de Minas”, BH, 20 de julho de 1969)

FOTOS DE ARQUIVO E DA INTERNET

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”,CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA

 

 

LUGAR SAGRADO DE ARTE

 

 

Este é um lugar sagrado de arte.

As estrelas brilham em seu entorno e, quando o dia amanhece os pássaros saudando o sol, cantam em conjunto com outros sons que partem de dentro do espaço acústico das macieiras.

Aos poucos a memória me traz lembranças da Índia.

Lá longe, mergulhado em suas histórias do mundo, um asceta vai contando a minha história.

Fomos procura-lo por sua vidência. Ele consegue adivinhar coisas lendo em folhas de palmeira.

Quando cheguei, foi procurar a minha folha.

- “Está escrito aqui, me diz ele.”

-“Você vai ter um lugar sagrado de arte, um espaço herdado de seu marido.”

- “Este lugar vai irradiar por toda a vizinhança e ultrapassar os limites de uma região.”

 - “Lugar sagrado de arte, templo de música, poesia, artes plásticas, ecologia”

 Agora, estou olhando para o estúdio de Alexandre e o salão de música onde Regina compôs as músicas para cura e o Artur promovia as danças sagradas de Gurdjieff.

Este é o local da música um espaço abençoado, enxergado por um vidente na Índia.

Paro para escutar a música, ela realmente domina o espaço.

Não é necessário o uso da palavra e as discussões inúteis.

Falar pelos sons é a linguagem da música.

É a linguagem compreendida por vários povos, não tem idioma próprio.

Vou escutando a música, pensando no quanto ela poderá ajudar na reconstrução da sociedade.

As terras herdadas de meu marido são um celeiro de arte, abrigam a família em tempo de pandemia, atraem espaços para outras artes e também para as crianças.

Arte na educação, espaço de arte, contato com a terra.

Lá fora, o gado está descansando depois de um dia de trabalho.

O leite orgânico, sem agrotóxico, produz o queijo artesanal, queijo de Minas em pequeno porte, sem ambicionar grandes investimentos.

Queijo orgânico, horta orgânica, os antepassados vão gostar de ver suas terras produzindo frutas, flores, verduras e queijo e também se comunicando com outras terras, via internet.

Lugar sagrado de arte é assim: “Unir a arte, a música e transformar tudo na grande e imensurável arte de viver.

Pela manhã, contemplo da minha varanda a paisagem a minha frente, um bando de pássaros canta ao meu lado e o céu muito azul estende seu manto de paz sobre os campos à espera das primeiras chuvas.

Assim mesmo, as flores nascem na primavera.

Setembro chegou e com ele o colorido da primavera.

Preciso parar de escrever e pintar um quadro de flores.

Há muito tempo eu não uso tintas!

O ateliê rural já está pronto, reformado pela dedicação dos filhos que, mesmo estando longe, continuam ajudando.

Obrigada pelos benefícios.

Aqui, neste espaço, eu pintei quadros enormes que participaram de Bienais de São Paulo e exposições coletivas. Os quadros seguiam, enrolados em varas de bambu, para São Paulo.

Relembro aquelas obras que seguiram antes de minhas viagens para Índia.

Recomendei ao meu amigo Ianelli que cuidasse deles, colocasse moldura e os enviasse para a mostra no Museu de Arte Moderna de São Paulo.

Quando voltei da Índia fui ver a exposição que estava quase terminando.

O meu painel podia ser visto de longe, mandei um quadro enorme.

Ianelli comentava comigo.

 – “Todos queriam este espaço, mas seu quadro coube direitinho nesta parede e lá ficou.”

Olho para o Ateliê reformado.

Marília e Cláudia estão trazendo os quadros para cima.

Fico observando o trabalho das duas, tão organizadas!

Eu me sinto parada, só observando e agradecendo a Deus de ter quem dê andamento à minha arte.

Aqui, nesta região, o Instituto Maria Helena Andrés (IMHA) foi criado e já leva seus frutos para outras regiões.

Marília está assumindo o IMHA com a competência de uma historiadora de Arte.

Meus filhos estão dando continuidade ao meu trabalho, organizando tudo com dedicação.

E a arte vai crescendo também intensamente neste Campo das Vertentes, com a participação dos filhos, cada um assumindo o seu papel.

Eliana fez a trajetória, Ivana conduziu o blog, Euler foi o primeiro presidente do IMHA.

Maurício organizou minha autobiografia e o e-book de minhas reflexões sobre arte.

Todos em torno de um ideal, produzir e divulgar, para os outros espaços, o poder transformador da arte.

O lugar sagrado de arte começou pequeno e hoje já está ficando grande, estendido aos netos e bisnetos.

Vejo meus bisnetos pintando azulejos sob a direção de Isaura e, lá no Rio, outros bisnetos produzindo castelos na areia e pinturas nas paredes.

A arte vai mudar o pensamento desta nação muito sofrida.

Ela é a nossa mensagem da paz e da harmonia entre os seres humanos.

Que continuem assim é o que eu desejo.

Dar continuidade é seguir sempre a voz do coração e produzir sempre o que vem de dentro, porque esta voz é a voz de Deus.

Lugar sagrado de arte é este, em que todas as artes podem se encontrar e criar uma sinfonia de vozes, cores, luzes, palavras.

Todas as preciosidades que recebemos gratuitamente durante a nossa caminhada nesta terra.

*FOTOS DE ARQUIVO E DA INTERNET

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG "MEMÓRIAS E VIAGENS", CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA

 

PREFÁCIO DE VIVÊNCIA E ARTE II

 

Dando continuidade ao prefácio de Alceu Amoroso Lima para o meu livro “Vivência e Arte”, transcrevo o texto abaixo:

“A autora desta pequena e lucidíssima introdução à arte em geral, à arte moderna em particular e à arte religiosa, compreendeu admiravelmente o problema e o coloca em termos tão simples, tão honestos, tão accessíveis e sensatos, que custa a crer que haja quem resista às suas razões.

         É precisamente essa ausência total do complexo de superioridade ou de inferioridade, que dá tanto calor a esta introdução à estética. Não tem nenhum complexo de superioridade, como acontece muitas vezes com os livros dos modernos críticos de arte, tratando o público de cima de suas tamancas, como sendo um rebanho de ignorantes e de retardatários. O complexo de inferioridade, que considero pior que o outro, se coloca por sua vez na posição do falso publicano, que no fundo se gaba de sua humildade, dizendo que não entende os modernos, mas deve ser porque não está à altura etc.

         A autora destas considerações não assume nem uma nem outra atitude. Apresenta-se com a simplicidade de quem sofreu muito para chegar às conclusões a que chegou, e por isso mesmo as exibe sem nenhuma pretensão de querer converter ninguém. Quem quiser que se converta a si mesmo ou se convença do bem fundado delas e depois passe a aplicá-las, na prática, não confundindo preferências pessoais com uma compreensão objetiva das formas infinitas com que os artistas – que por natureza palmilham os caminhos dos possíveis e não dos já trilhados ou impostos pela arrogância dos dogmatizadores de regras disciplinares – exprimem a sua capacidade de criação.

         A autora não pretende ser pedagoga e muito menos palmatória do mundo. Como provavelmente passou pelos mesmos transes de ser chocada pela arbitrariedade e multiplicidade das formas estéticas e pelas deformações das formas naturais e pela ausência de critérios de perfeição ideal, sabe perfeitamente que ninguém se converte senão por si mesmo. Se isto é verdade até em religião, onde a graça indispensável não tem nome nem forma nem palavra que a exprima, quanto mais em arte, quando a vocação é que desempenha o papel da Graça e o trabalho, o métier, a técnica, o da Natureza.

         A autora, além disso, não se limita a doutrinar sobre arte ou a repetir o que aprendeu nos livros dos filósofos da matéria. É ela própria uma artista, uma grande pintora. Uma criadora de formas novas, com um extraordinário talento e uma originalidade não procurada mas espontânea. E tudo isso à custa de muito trabalho, de muito "sangue, suor e lágrimas", dessas que os verdadeiros artistas, da palavra, do som, da matéria, do movimento, do que quer que seja, escondem ou por vezes não escondem na obra feita ou no silêncio dos seus ateliers.

         Sente-se, nas entrelinhas deste pequeno breviário de estética, especialmente pictural – com uma síntese histórica da evolução da pintura moderna, muito instrutiva – o enorme trabalho interior de raízes, para se chegar a esta pequena árvore tão fresca, tão simples, tão copada, que dá uma sombra tão repousante e luminosa ao leitor de boa vontade.

         Nem por isto deixa de condenar o mau gosto, como sendo o grande inimigo da verdadeira arte. Justamente por ter a arte moderna reivindicado, para o artista, os direitos da liberdade, é que o problema da honestidade ou da desonestidade em arte, do bom e do mau gosto, tanto dos artistas como do público em geral, é hoje muito mais importante do que quando a arte obedecia a certos modelos e disciplinas compendiadas e ensinadas. "A fotografia libertou a pintura", disse Jean Cocteau numa frase célebre. Mas também soltou os cabotinos. Contra os quais então o mau gosto reage em nome da sinceridade... Em matéria de arte religiosa então é que o mal-entendido se tornou mais grave. E a autora sai da sua mansidão habitual para escrever coisas incisivas e indispensáveis como esta: "A Igreja passou a ser a depositária deste mau gosto público. E a ornar os seus altares com o que de pior pode haver em matéria de arte. Não se pode mesmo dar o nome de arte a esses santos de bazar, porque neles não se vê a menor preocupação de estilo. Nem ao menos de acadêmica poderia ser chamada esta pseudo-arte das igrejas". Perfeito.

         Não quero, porém, nem poderia de modo algum, substituir-me à autora, com sua tríplice autoridade – de pintora, de conhecedora teórica do fenômeno estético e de escritora, tão simples, tão natural, tão sem pretensão. E last... tão profundamente espiritual.

         Não será esse último aspecto o mais íntimo segredo destas páginas, que recomendo vivamente aos que querem compreender? Porque aos que não querem, nem Deus convence...

Rio, 1965   

Alceu Amoroso Lima” (Trecho de “Vivência e Arte”, Editora Agir, 1969)

*FOTOS DA INTERNET

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.

 

 

PREFÁCIO DE VIVÊNCIA E ARTE I

 

Quando terminei meu livro “Vivência e Arte”,fui procurar Dr Alceu Amoroso Lima para tentar um prefácio escrito por ele. Eu não queria ninguém me apresentando a ele, mas tinha certeza que ele poderia gostar do livro. Não custava tentar.

Eu estava no Rio de Janeiro, passando férias no Guarujá, prédio da família de Guilhermina, minha cunhada.

Pedi à Marília, minha filha, que me acompanhasse até o centro da cidade, onde o Dr Alceu tinha seu escritório. Fui introduzida pela secretaria à sala do Dr Alceu, rezando para que ele aceitasse a minha visita. Ele me recebeu cordialmente, no seu escritório cheio de livros, como o escritório de meu pai. Tenho certeza de que meu pai estava ali presente.

Dr Alceu era conhecido por prefaciar artistas jovens. Entreguei o meu livro, pedi o prefácio com a coragem de quem tem certeza do que está fazendo.

“Dr Alceu, trouxe este livro para o senhor ler. Se gostar do conteúdo, gostaria de ter um pequeno prefácio seu.”

“Você veio de Minas, é mãe de família. Por acaso pertence àquele grupo de mulheres católicas...”

“Não, não pertenço a este grupo...”

Enquanto falava, lembrei-me das mulheres segurando o terço na praça da Liberdade.

“Não, Doutor Alceu, não pertenço a este grupo conservador.”

Acho que se eu fosse do grupo, ele nem leria o livro.

“Deixa aqui, vou ler depois, volta daqui a 20 dias para ter a resposta.”

Despedimo-nos cordialmente e eu vim para casa, na expectativa desse encontro dar certo ou não.

Só restava esperar, ir para a praia com os filhos, diverti-los.

Na época, o Alexandrino Alencar era grande amigo do Maurício, aparecia no nosso apartamento diariamente.

E eu continuava na fila de espera, torcendo para dar tudo certo.

E não é que deu?

Dois dias depois, o telefone tocou e a voz da secretária do Dr Alceu do outro lado do fio, me anunciando que o prefácio já estava pronto, poderia buscá-lo à tarde.

Fui para a o escritório do Dr Alceu eufórica, agradeci o prefácio com entusiasmo, voltei para casa, para celebrar em família o sucesso do livro.

Regressando a BH, levei o prefácio e o livro para as irmãs do mosteiro beneditino, que muito tinham me estimulado a escrevê-lo.

Mais uma alegria e as bênçãos beneditinas celebraram o novo livro. O livro foi datilografado por meu filho Maurício, reunindo desenhos e fotos. Fui então procurar a Agir Editora, para tentar uma edição.

O livro foi aceito e muito celebrado na família.

Depois de toda essa campanha, o livro seguiu seu destino, percorreu universidades brasileiras. Hoje faz parte da biblioteca de Berkeley nos EUA e da Biblioteca do Congresso em Washington D.C. No Brasil, o livro “Vivência e Arte” está esgotado.

Passo agora a palavra ao Dr Alceu Amoroso Lima:

PREFÁCIO DE “VIVÊNCIA E ARTE”:

“Este pequeno e modesto volume é um admirável solucionador de equívocos. Não conheço, em nossa língua, melhor introdução à arte moderna, com a dupla autoridade de quem meditou profundamente e sem preconceitos sobre o próprio fenômeno estético, e pratica uma arte, a pintura, com uma vocação e uma originalidade absolutamente incontestáveis.

         O mal-entendido entre a arte moderna e o grande público é muito anterior à ruptura que, em 1914, a Primeira Grande Guerra criou entre o século XX e o século XIX. Já sem remontar à "batalha de Hernani", na literatura ou às telas de Delacroix,

na pintura, com o advento do Romantismo, foi com o Simbolismo em literatura e com o Impressionismo em pintura ou música que começou o mal-entendido. Tudo se agravou, porém, de modo precipitado depois que as várias correntes do pré-modernismo ou do próprio modernismo, especialmente a partir de 1904, se anteciparam ao dinamismo revolucionário do novo século. A arte precedeu e como que anunciou os acontecimentos, confirmando o paradoxo de Oscar Wilde,

de que a natureza imita a arte. Os novos artistas e os novos críticos começaram a compreender que a interpretação que os renascentistas, e acima de tudo os "acadêmicos", que dominaram o século XIX, haviam dado à estética de Aristóteles, era errada. Quando o Estagirita definiu a arte como "imitação da natureza" não queria dizer que a arte era uma cópia das formas naturais, e sim que imita o modo de criar da natureza. Ora, a natureza não copia modelo algum. Quando muito poderíamos dizer que a estética de Platão

imporia à arte a imitação de formas ideais. E nesse sentido o renascentismo, e seu reflexo sem talento, o academicismo, são muito mais platônicos que aristotélicos. Mas o realismo aristotélico ou escolástico é o fundamento filosófico da liberdade estética. E Maritain

o demonstrou cabalmente.

         Essa liberdade é que está na base da arte moderna e é o grande motivo do famoso equívoco entre o público e os artistas. Ou entre artistas "acadêmicos" e artistas "modernos". Bem sei que no fundo o equívoco ou o mal-entendido está entre artistas com talento criador ou sem talento. E entre o público que considera a arte simples passatempo e o que toma a sério o fenômeno artístico.” (Trecho do prefácio de “Vivência e Arte”, Editora Agir, 1968)

*FOTOS DA INTERNET

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.

        

 

 

ORQUESTRA 415 DE MÚSICA ANTIGA

 

Recebi de André Salles Coelho o relato abaixo sobre a Orquestra 415, que ele dirige há muitos anos.

“Os séculos XVII e XVIII deram origem a grandes compositores da história da música como Vivaldi, Bach, Telemann, Haendel entre outros, muito conhecidos, porém com grande parte de suas músicas de câmara e orquestra pouco executadas, dada a falta de grupos especializados.

 A Orquestra 415 de Música Antiga foi criada em 2012 com o objetivo de executar as obras desses grandes gênios de uma maneira apropriada, oferecendo ao público um espetáculo único, a primeira iniciativa desse tipo em Minas Gerais e a única do gênero a atuar de maneira independente no Brasil.

O diferencial do grupo está na utilização dos instrumentos: o traverso, a viola da gamba, a flauta doce, o cravo, o violino, o violoncelo barroco, todos réplicas dos instrumentos utilizados na época. Essa particularidade e o requinte na interpretação recriam uma sonoridade especial, muito próxima da que as pessoas daquele tempo ouviam.

 Em seus nove anos de existência, a orquestra vem realizando concertos importantes em diversos palcos de nosso estado com grande repercussão. Isso tem permitido ao grupo manter uma atividade musical regular que promove a constante pesquisa e vivência da música clássica, dando aos músicos a oportunidade de aprimorar seu nível técnico, estilístico e artístico. Oferece também ao público a chance de conhecer a sonoridade daquele período. Uma viagem no tempo. Um momento em que nos transportamos para um lugar vivido pelos compositores e sociedade daquela época. O resultado de tudo isso contribui para a formação de uma plateia mais consciente, mais crítica, mais sábia e mais completa.

 A orquestra tem realizado intercâmbios de conhecimentos com outros grupos de interesse como a dança, o teatro, a literatura, as artes plásticas, etc.

 Desde 2015 a orquestra leva aos palcos temporadas regulares com concertos mensais e um repertório novo a cada concerto, já tendo completado 05 temporadas integrais.

 Durante esses 9 anos de existência a orquestra já realizou:

 81 concertos em 25 diferentes locais, sendo 20 concertos no Teatro João Ceschiatti do Palácio das Artes; 18 no Museu Inimá de Paula; 07 na Sala Juvenal Dias; 06 no Hotel Mercure/Lourdes, entre outros.

Foram executadas mais de 160 peças (muito possivelmente, em sua maioria, estreias nacionais) de 57 diferentes compositores, 4 espetáculos cênico-musicais (A Lira de Shakespeare, Cartas de Monteverdi, Dom Quixote e Vivaldi & Anna e 6 óperas (Les Carnaval de Venice, La Dirindina, Venus e Adônis, Livietta e Tracollo, Le Devin du Village e La Serva Padrona.)

Trabalhou com 6 diferentes regentes (Eduardo Fonseca, Claudio Lage, André Brant, Sérgio Canedo, Augusto Pimenta e Leonardo Cunha);

 4 corais e grupos vocais (AABB, Camerata Lux, Madrigal Scala e Seconda Práticca); 38 diferentes solistas (Ana Roberta Rezende, André Cavazzoti, André Fernando, André Salles-Coelho, Artur Mário Jr, Bárbara Penido, Camila Corrêa, Cláudia Alves, Daiana Melo, Daniel Mussi, Diego d'Almeida, Eduardo Ribeiro, Elmo Sepúlveda, Emanuelle Lima, Ernani Dias, Haendel Cecílio, Iolanda Camilo, Jennifer Imanish, João Gabriel Carvalho, Jordane Moraes, Laila Rodrigues, Lara Tanaka, Leonardo Cunha, Marina de Paula, Matheus França, Marília Nunes, Melina Peixoto, Patrícia Chow, Raissa Brant, Renato Gomes, Robson Lopes, Sarah Lugon, Sérgio Anders, Sérgio Lacerda, Silvia Menez, Thiago Roussin, Wagner Soares e Wolney Garcia);

5 Atores ( Alex Prieto, Fabiane Aguiar, Gustavo Marquizini, Ivana Andrés, Jefferson de Medeiros e Luciano Luppi).

Durante seus nove anos de existência já passaram por seus quadros 94 instrumentistas de 12 diferentes instrumentos que, de uma forma ou de outra aprenderam, estudaram, pesquisaram, vivenciaram e executaram a música antiga de uma maneira profunda e enriquecedora.” (Depoimento de André Salles Coelho)

*FOTOS DE ARQUIVO

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.

 

 

 

FESTIVAL MUTIRÃO CULTURAL DE ENTRE RIOS DE MINAS

 

Toda a cidade se movimenta em torno da arte. É o despertar daquilo que temos de melhor dentro de nós. A linguagem poética, às vezes adormecida dentro de nós, desperta. As novas mídias aproximam os povos. O grande sertão e as cidades. As imagens vão chegando e, com elas, o conhecimento. O primeiro Mutirão Cultural foi promovido na gestão do Euler e do Saulo, há uma década atrás. Agora ele acontece sob a regência do jovem Secretário de Cultura, Felipe Resende, sobrinho do Saulo, com uma ótima programação on line. Os frutos de uma terra, banhada por dois rios e distante do litoral, estão sendo distribuídos para o planeta. Com oficinas diversas, caminhadas fotográficas, repique de sinos, contação de histórias, capoeira, cultura culinária, rodas de conversa sobre a diversidade e a representatividade , serestas e shows musicais, Entre Rios mais uma vez mostrou seus talentos. A importância do Mutirão está sendo reconhecida pelas cidades do entorno. Que outros Mutirões sigam o exemplo desta cidade e desçam as montanhas de Minas.

Transcrevo abaixo o texto de divulgação do Festival Mutirão Cultural de Entre Rios de Minas retirado da internet:

“Começou neste domingo (11), o Festival Mutirão Cultural de Entre Rios de Minas. A quinta edição do evento, que se reorganizou em 2020 por conta da pandemia, se mantém pelo espaço virtual, e terá como tema a diversidade. Serão motivos de rodas de conversa, lives e oficinas a atenção às questões de gênero, sexualidade e raça. A organização do evento é da Secretaria de Cultura, Esporte, Lazer e Turismo da cidade.

Mesmo com substituição dos palcos, das salas de oficinas, dos espaços públicos e turísticos para as mídias sociais, a proposta de interação será reforçada pela promoção do “Concurso de Passinho” e a “Caminhada Fotográfica”. Bom para quem está fora da cidade, afinal de contas, pela internet, as atividades - e as suas pautas, tão importantes para o país como um todo - podem alcançar ainda mais pessoas!

A cidade fica a cerca de 70km de São João del-Rei e tem aproximadamente 15 mil habitantes. As atividades presenciais pontuais acontecerão seguindo os protocolos e sem aglomeração como intervenções teatrais pela cidade “Serenata Partidas” do Teatro da Pedra e roda de Capoeira com projeto Pingo de Ouro.”

*FOTOS DA INTERNET

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.

 

O TEATRO NOSSO DE CADA DIA

 

Luciano Luppi me enviou o texto abaixo, a partir de uma live promovida pelo IMHA:

“O poeta é um fingidor.
Finge tão complemente,
que chega a fingir que é dor,
a dor que deveras sente. (Fernando Pessoa)

Partindo da essência dessa estrofe de “Autopsicografia” de Fernando Pessoa, Luciano iniciou a live “O teatro nosso de cada dia”. Visitou a sua trajetória dentro do teatro, há mais de cinquenta anos atrás, quando começou, ainda adolescente, a fazer teatro e conviver com pessoas mais velhas e engajadas, politicamente e artisticamente, contra a ditadura militar.

 Aos dezoito anos foi convidado a levar algumas técnicas de teatro para funcionários de uma empresa, não com intuito de transformá-los em atores e atrizes, mas a desenvolverem a comunicação verbal e corporal, o trabalho em equipe e aprimorar os seus papéis profissionais e afetivos. Foi um fracasso. A falta de habilidade em lidar com aquele tipo de público mostrou a fragilidade do profissional para atuar numa área com características tão diferentes da sua. Em função disso procurou aprender com profissionais de outras áreas as ferramentas necessárias para se adaptar ao mundo corporativo. Envolveu-se com profissionais de RH, biodança, Programação Neuro Linguística, Bioenergética, grupos holísticos, e outros. A partir dai passou a desenvolver um trabalho de “Técnicas Teatrais Aplicadas ao Desenvolvimento Profissional e Pessoal”. Ministrou treinamentos na Telemig, Colégio Nacional de Uberlândia, Fiemg, Feiras de RH, ABTD e muitas outras empresas e instituições. Participou com uma oficina no I Congresso Pan Americano de Jogos de Empresa e Criatividade. 

A partir dessa experiência os convites se ampliaram de tal forma que, temporariamente, deixou de lado o fazer teatral. Aplicou suas técnicas em um congresso em Cuba, junto com sua companheira Ivana Andrés, no Projeto Gente Grande, na Telecomunicações da Rondônia, na FEAD, e em grupos fechados. Com o Grupo “Voz e Poesia” atuou na Amana-Key, em São Paulo, durante nove anos. Escreveu um livro intitulado “Você é Feliz com Suas Máscaras?”.

Luciano enumerou algumas ideias estereotipadas sobre a interpretação dos atores e atrizes nas obras artísticas, para tecer semelhanças entre a atuação das pessoas no seu dia a dia, com seus papeis sociais, profissionais e afetivos. A primeira era sobre a necessidade do talento. Sem desconsiderar a existência de pessoas talentosas, o mais importante, no palco como na vida, é desenvolver as capacidades através da persistência, dedicação e vontade. Como se diz em teatro: “noventa por cento de transpiração e dez por cento de inspiração”. Isso significaria que podemos melhorar o nosso desempenho nos papeis que assumimos na nossa vida através de experimentação, vontade, dedicação e persistência. A segunda questão refere-se a ideia de incorporar o personagem, no sentido de identificação total. Luciano pondera que, apesar do nível de verossimilhança, o ator não deve, necessariamente, se identificar com crenças e valores dos personagens.

Dito isso, discorreu sobre as pequenas diferenças que assumimos, no teatro nosso de cada dia, quando nos mostramos diferentes em circunstâncias e em grupos diversos. Não somos, exatamente, a mesma pessoa em todos os ambientes. Mostramos, mais ou menos, características distintas conforme mudamos de interlocutores. Somos, levemente, diferentes no ambiente familiar, no meio dos colegas de trabalho, na torcida organizada, na igreja ou outro lugar. Mas podemos, e devemos, manter a essência do nosso ser em todos os lugares e momentos. Este é um quesito que diferencia a atuação artística da vida real.  A terceira questão diz respeito à via única, como se só conseguimos nos expressar a partir de uma emoção. Os atores e atrizes, em muitos casos, precisam desenvolver a capacidade de se emocionar no momento e na medida certos, e por isso tem que promover em seu corpo alterações respiratórias, rítmicas e posturais para produzir as emoções que o personagem e a cena necessitam. Levando em consideração que uma emoção produz mudanças corporais e as alterações físicas também produzem emoções e sentimentos, podemos mudar os nossos sentimentos através de mudanças corporais e ambientais. Sabemos como, num processo de nos libertar de determinados sentimentos, uma mudança de rotina, um corte de cabelo, exercícios respiratórios profundos, uma mudança na postura física, podem ser excelentes auxiliares para transformação de sentimentos. Em última análise significa que podemos dar alguns passos em direção ao desenvolvimento de nossa performance na vida, utilizando alguns recursos que os artistas de  teatro usam para compor e interpretar personagens.” (Depoimento de Luciano Luppi)

*FOTOS DE ARQUIVO

VISITE TAMBÉM MEU OUTRO BLOG “MEMÓRIAS E VIAGENS”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA