SUITE BURLESCA DOM QUIXOTE DE LA MANCHA

A apresentação da Suíte Burlesca Dom Quixote no Teatro da Assembléia de BH, promoveu um encontro entusiástico entre as formas de arte – música de alto nível, desenho, teatro, marionetes, intercalados pela interpretação do Luciano e a performance de Ivana.

A Orquestra 415 de Música Barroca é uma referência para quem gosta de música erudita. Inaugurada em 2012, consegue se manter até hoje sem patrocínio de leis de incentivo. Sua lei de incentivo vem de dentro, do jovem guerreiro das artes, André Salles Coelho, flautista e diretor da Orquestra. André vem pesquisando a música barroca há muito tempo, desde a adolescência e agora realiza concertos com grande sucesso , buscando a integração de outras formas de arte.

Sentada na primeira fila, pude apreciar de perto o espetáculo que reuniu música, artes plásticas, poesia, literatura e teatro de marionetes. Dom Quixote inspirou a criação da peça e dos desenhos realizados ao vivo.

Seus intérpretes são também quixotescos, porque não enxergam obstáculos  para realizar aquilo que acreditam.

E, nesta atitude quixotesca vão em frente, reunindo em torno de si a simpatia e a admiração da plateia.

Dom Quixote era uma figura inesquecível da Idade Média na Europa, que até hoje continua sendo um símbolo para aqueles que desvendam o mundo e ultrapassam com atrevimento, ousadia e coragem todos as dificuldades.

Abaixo transcrevo o texto de André Salles Coelho, sobre o espetáculo e sobre a Orquestra 415:

“Dom Quixote é um espetáculo cênico-musical baseado na suíte burlesca de Dom Quixote de G. P. Telemann e com textos originais da obra de Miguel de Cervantes. No palco os atores Luciano Luppi e Ivana Andrés misturam atuação, bonecos, sombras e desenhos realizados em tempo real com as músicas executadas ao vivo pela Orquestra 415, sob a regência do maestro Eduardo Fonseca.

Iniciar mais um ano de temporada é sempre uma alegria enorme e um desafio severo. Estamos caminhando para nossa quinta temporada de sucesso provando que podemos realizar uma programação anual sem nenhum patrocínio, sem nenhuma ligação institucional, apenas com o respaldo do público. Agora queremos ir além, com apresentações mais ousadas. Este ano teremos vários concertos diversificados, com maestros convidados, solistas, corais e espetáculos cênico-musicais. A Orquestra 415 de Música Barroca é hoje a única orquestra do Brasil especializada em música barroca com instrumentos de época (cópias fieis de instrumentos originais do período) a realizar concertos mensais, regulares, com repertórios variados.

Os desafios de levar uma temporada assim são imensos, já que uma orquestra tem muitas demandas e, no nosso caso, são maiores ainda, pois tudo, instrumentos, partituras, interpretação, formação da orquestra, é tudo muito particular, especial, artesanal, o que exigiria muito investimento. E como não temos nenhum apoio, temos que fazer tudo na raça, na garra".

SOBRE A ORQUESTRA 415 DE MÚSICA ANTIGA

            A Orquestra 415 de Música Antiga foi criada em 2012 com o objetivo de oferecer ao público um espetáculo único: executar as obras dos grandes gênios barrocos de uma maneira singular. Iniciativa pioneira em Minas Gerais, a Orquestra 415 de Música Antiga tem como seu diferencial a utilização de instrumentos como o traverso, a viola da gamba, o violino barroco, a flauta doce, o violoncelo barroco, a guitarra barroca, o alaúde e a espineta. Todos réplicas dos instrumentos utilizados nessa época. Essa particularidade e o requinte na interpretação das músicas recriam uma sonoridade única, muito próxima àquelas que as pessoas da época ouviam.

Em suas apresentações, a Orquestra recria uma oportunidade bastante peculiar: ouvir uma obra barroca de um grande compositor do período, tocada por instrumentos para os quais as músicas foram compostas. Provocando, assim, uma experiência única e rara, como uma viagem no tempo através de um espetáculo singular, agradável e transcendente.”

*Fotos de Ivana Andrés e Cely Barral

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EXPOSIÇÃO DE WEI WEI NO CCBB

Existem exposições que nos causam impacto. Uma delas foi a mostra “Raiz”, do artista chinês Wei wei, no CCBB em BH. Percorrendo a exposição, pude perceber a presença de um grande artista, que consegue expressar em suas instalações o drama de nossa civilização. Além de ser um grande artista, Wei wei se expressa através da palavra. Anotamos algumas de suas frases, que transcrevo abaixo.

“Os artistas não precisam se tornar mais políticos; os artistas precisam se tornar mais humanos”

“Se uma nação não pode enfrentar seu passado, não tem futuro”

“Eles sabem de muitas coisas que não deveriam saber e não sabem algumas coisas que precisam saber.”

“A criatividade faz parte da natureza humana. Só pode ser desaprendida.”

“Não estou interessado em uma região específica ou uma pessoa ou uma história. Estou muitíssimo interessado na situação global”.

“Eu não diria que eu me tornei mais radical: eu nasci radical.”

“Uma pequena ação vale um milhão de pensamentos.”

“Nacionalidade e fronteiras são barreiras à nossa inteligência, à nossa imaginação e a toda sorte de possibilidades”.

“Eu quero que as pessoas enxerguem o seu próprio poder”.

“Os seres humanos não dominam o universo. Somos passageiros temporários.”

Para este artista, com quem eu me identifiquei, ofereço o poema abaixo:

Wei Wei assume

A dor dos oprimidos.

Fugitivos

Refugiados.

A dor coletiva

Daqueles que

Se unem na

Mesma energia

Buscando

Uma vida melhor.

Atravessam

Fronteiras

E mares

E, muitas

Vezes não

Chegam

Ao seu destino.

A dor dos oprimidos

É expressa

Com grande intensidade

Nas instalações

De Wei Wei.

Artista e ativista

Ele sabe transmitir

Um cenário de angústia

E morte coletiva.

Wei Wei

Sente a dor

Desses momentos

Cruciais da

Existência

Humana.

Sua instalação

“Imigrantes” é

O grande impacto

Da mostra.

Ficamos mudos

Diante deste

Ajuntamento

De pessoas

Que se irmanaram

Na dor e morrem

No caminho.

Nas águas do Mediterrâneo

Na lama de Brumadinho

O impacto é o mesmo.

*Fotos de Ivana Andrés

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EXPOSIÇÃO SOTURNOS NOTURNOS

 Thais Helt e Allen Roscoe moram nas montanhas de Minas Gerais, próximo a Belo Horizonte. Eles procuraram um lugar tranquilo para construir seu atelier, longe do burburinho da cidade.

Ali eles puderam se irmanar com a natureza, escutar o canto dos pássaros, a chegada dos macaquinhos em busca de alimento.

Muitas vezes fui visitá-los em sua residência. Thais Helt e Allen Roscoe são pessoas importantes no cenário artístico de Minas, seja na impressão de gravuras, ou na realização de esculturas. Tanto Thais quanto Allen, realizaram projetos de minha autoria. No momento, Thais se dedica ao seu próprio trabalho.

A exposição “Soturnos noturnos” foi inaugurada na Galeria Lemos de Sá, no Jardim Canadá. Senti um grande impacto quando visitei a exposição.

É um grito de alerta para todos nós. Descreve de forma não verbal, experiências e conflitos de toda uma região agredida em nome do progresso. É a fuga, a travessia, o medo da morte. Para Thais Helt, dedico o poema abaixo.

 SOTURNOS NOTURNOS

O papel prensado

De preto se enrosca

Em curvas

Como montanhas

Sacrificadas.

O papel prensado

É um grito

De dor.

É a angústia

Dos oprimidos

 Dos retirantes

Dos fugitivos.

 O papel prensado

De negro

Papel japonês

É a matéria

Escolhida

Para um

Significado

De luto

E de dor.

*Fotos de Eliana Andrés e da internet

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PAULO MENDES, ARTISTA ENGENHEIRO

Fui ver a exposição “Urbanas” de Paulo Mendes na Asa de Papel Café& Arte.

O tema principal de suas pinturas é o aglomerado de pessoas, homens, mulheres e crianças, o ser humano que palpita e está presente nas grandes cidades, nos ônibus, nos cafés.Lembra um pouco Montmartre em Paris, quando os primeiros impressionistas se encontravam para a grande aventura de renovação das artes.Paulo faz um retorno à figura humana como principal elemento de seus quadros. As figuras passam a ser motivação para suas composições, sempre nos tons baixos, sem contrastes.

Elas emergem de um sonho, de uma nuvem cinza, branco, rosa...Sem contar uma história, elas têm sua vida própria.

Paulo tem uma empresa de construção metálica, situada em Rio Acima, nas montanhas de Minas. À sua formação técnica como engenheiro, ele soube acrescentar a sensibilidade do artista plástico.Com grande experiência em estruturas metálicas, tornou-se apto a construir também esculturas de aço, tendo realizado com segurança uma obra de minha autoria para a minha casano Retiro das Pedras . A escultura foi colocada no gramado e lá está curtindo a paisagem das montanhas.

Abaixo,segue a apresentaçãode Marília Andrés para a exposição “Metrô”, que aconteceu em 2018, também na Asa de Papel Café & Arte:

“Paulo Mendes estreia na cena artística de Belo Horizonte com a exposição “Metrô” que está em cartaz na Asa de Papel Café&Arte. Autodidata, o artista, que é também construtor e músico, apresenta pinturas em acrílica sobre papel, revelando cenas urbanas que acontecem no interior dos metrôs. Ali se mesclam pessoas humanas e não humanas, “os porquinhos”, no movimento dos trens que transitam em alta velocidade.Mas, essas cenas tornam-se cada vez mais abstratas, revelando o movimento interior que se expressa na emoção do artista. Como ele fala em seu depoimento, a emoção está sempre presente no seu processo criativo: “Entro em transe e pinto a catarse. Jogo a tinta no quadro e surge uma cena explosiva”.Dessa forma, Paulo Mendes nos mostra uma nova pintura, expressiva, vigorosa e divertida, que revela a sua maneira de ser no mundo. (Marília Andrés Ribeiro, fevereiro de 2018) ”

Segue também um depoimento do próprio artista, Paulo Mendes:

“Embora seja um apaixonado pela natureza é no cotidiano urbano que encontro motivação para minhas pinturas. Em especial nos metrôs, nas filas de supermercados e em outras situações rotineiras encontro a matéria prima e a inspiração para meus trabalhos. São situações diversas compostas de stress, ternura, compaixão, correria, enfim uma profusão de sensações causadas pelas pessoas no seu dia a dia.  Aquilo que é comum revela-se extremamente rico quando visto com atenção através dos olhos do observador. Nesse contexto, cenas banais e corriqueiras tornam-se gigantes e extremamente cheias de significados. Em outras situações, quando assisto a um espetáculo que envolva música e dança, também percebo o público como um “coadjuvante”, o que o torna uma figura de grande importância na composição daquele momento. Por isso introduzi a música e a dança nas cenas urbanas. Sou um observador contumaz do diálogo entre o artista e o público”. (Paulo Mendes, março de 2019)

Parabéns Paulo, por sua competência e sua feliz introdução no caminho das artes visuais.

*Fotos de Fred Pinheiro

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EXPOSIÇÃO 75 ANOS DA ESCOLA GUIGNARD NA GALERIA AM

A exposição inaugurada na Galeria AM, sob curadoria de Emmanuelle Grossi em comemoração aos 75 anos da Escola Guignard, nos fez chegar a algumas reflexões sobre o ensino de arte deste grande mestre.

A exposição mostra logo na entrada da Galeria, quadros de Guignard e seus primeiros alunos. Foi uma forma muito simpática de revisitar os meus colegas e também constatar o fato de que, apesar de recebermos os ensinamentos do mesmo mestre, cada um seguiu um caminho diferente.

Guignard não nos marcou com o seu estilo de arte. Isto devemos ao incentivo do mestre à criatividade de cada um.

Guignard era quase um psicólogo, para descobrir tendências diversas.

O mestre autêntico não é aquele que julga segundo suas inclinações e preferências, mas é aquele que, de forma desinteressada, compreende e conduz o aluno. Ele não traz valores fixos a decretar, mas desperta valores novos ao contato de sua presença e seu estímulo.

Além de se ocupar com o aprendizado de técnicas, Guignard procurava despertar o aluno para toda uma filosofia de vida.

Seguindo o desdobramento da exposição, podemos encontrar também, nos artistas atuais da mesma escola, tendências diversas.

Guignard abriu as portas da criatividade em Minas e deixou entrar luz. Esta luz da criatividade de cada um vai nos conduzindo a novas reflexões.

“Coisa nova!”, dizia Guignard, entusiasmado com os rabiscos de seus alunos. Ele não dava regras fixas a seguir. Ao mesmo tempo incentivava o lápis duro e a disciplina, como forma necessária à descoberta interior.

Por que relaciono o ensino de Guignard com Krishnamurti, que conheci anos mais tarde na Índia? Naquele país tive a oportunidade de visitar várias de suas escolas. Tanto Guignard quanto Krishnamurti buscaram dar ao discípulo uma independência criativa.

“Seja você mesmo, não se prenda a fórmulas tradicionais”, dizia Guignard.

“Seja seu próprio mestre”, dizia Krishnamurti.

Voltando à exposição da AM Galeria de Arte, fiquei muito feliz de estar colocada entre Guignard e Sara Ávila , tendo à minha frente  Amilcar de Castro e Franz Weissman, todos eles colegas e amigos. As gerações mais jovens mostraram a força de suas ideias. Independência criativa chega até os dias de hoje, numa exposição onde o passado e o presente se impõem na distância do tempo. 75 anos de buscas, do encontro com o novo que está dentro de cada um.

Independência criativa é enxergar além das fórmulas, dos conceitos antiquados, das exigências externas, das pressões da moda, das imposições vindas de fora. O caminho da independência criativa se desdobra até os dias de hoje.

O importante no momento é seguir a intuição, buscando cada um o seu próprio caminho.

A redescoberta do cotidiano como forma de arte, foi apresentada por uma mesa de pães e biscoitos, onde todos os presentes tiveram a oportunidade de fazer o seu próprio café.

Esta ideia, de trazer o cotidiano para uma Galeria de Arte, da jovem artista Thereza Portes, nos mostra a importância de estender a arte à vida.

*Fotos de Ivana Andrés e Marília Andrés

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TRAMA, UMA EXPOSIÇÃO DE JOÃO DINIZ

Quando as diversas formas de arte se encontram, acelera-se o processo de criação. Assim foi no passado, assim está sendo no presente. Neste encontro feliz de artes plásticas, música, arquitetura e poesia, podemos situar o múltiplo artista, artesão, poeta e arquiteto João Diniz.

Conheci João quando ele era criança e morava no meu condomínio no Retiro das Pedras. Sua mãe era minha companheira no Coral Domus Áurea, cuja maestrina e orientadora de música era Ângela Pinto Coelho. João estava sempre atento ao chamado da música e aos apelos da arquitetura.

Desconstruir música e arquitetura para reuni-las numa só proposta, foi o chamado do interior deste poeta das artes.

A palavra antes contida em livros , desdobra-se para o espaço e se transforma em caixas com poemas em letras vazadas. Cores e formas continuam a se manifestar em arquiteturas, onde a marca do pintor, poeta e escultor continua a aparecer.

A música, geradora e maestrina de todas as artes, sintoniza sons eletrônicos e ritmos tribais.

João Diniz não para. Caminha sempre para a frente, em ritmo acelerado, incorporando o pensamento e a emoção de forma nova, inesperada.

João é amigo da família e vem sempre em nossa casa.

Segue abaixo um texto de Marília Andrés sobre este artista:

“A Asa de Papel Café & Arte tem o prazer de apresentar as pesquisas do arquiteto João Diniz no campo das artes visuais com a série Trama. Esta se desdobra em colagens, objetos e esculturas, que se intercomunicam através do movimento experimental inserido num processo estruturante.

Uma trama pode ser uma rede comunicante, envolvendo o espectador/participante numa obra aberta como as Reticuláceas da artista venezuelana Gego. Pode ser um projeto utópico, racional, estruturado, como o projeto do Monumento à Terceira Internacional do artista/arquiteto russo Vladimir Tatlin. Mas, uma trama pode se transformar em um processo que se inicia com os projetos bidimensionais para uma torre utópica, se desdobra nos objetos tridimensionais de madeira e se concretiza nas esculturas de aço de João Diniz.

O depoimento do artista nos revela o significado das obras a partir de seu pensamento:

"TRAMA são investigações através de esculturas, objetos e colagens sobre a linha no espaço, ou a linha como vetor rígido, que em combinações tridimensionais, propõe geometrias poliédricas gerando espaços e volumes num diálogo com a arquitetura, a engenharia e as artes visuais.

Nessas composições, as articulações matemáticas que promovem a estabilidade das estruturas construídas se opõem à manipulação gestual e intuitiva das dimensões dos componentes, gerando resultados ao mesmo tempo racionais e orgânicos." (Depoimento de João Diniz, janeiro de 2018)

Mais uma vez o artista multimídia João Diniz nos surpreende com novas criações poéticas, no momento focalizando o trabalho com as artes visuais." 

*Fotos de Fred Pinheiro, João Diniz, Marília Andrés e Raquel Miranda.

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PAZ E CONSCIÊNCIA ECOLÓGICA NA UNIPAZ-MG

Recebi de Maurício Andrés Ribeiro, a comunicação por ele proferida durante o seminário na Unipaz-MG. Segue abaixo o tema “Paz e consciência ecológica", administrado em fevereiro de 2019 dentro do programa da formação holística de base. 

O primeiro dia foi dedicado ao conhecimento científico, trabalhando o aspecto racional e intelectual.

Num mundo com população crescente – somos mais de 7 bilhões – com desejos e demandas crescentes de consumo, a pressão sobre a natureza cresce e ela tende a se exaurir.

A água é uma substância essencial para a vida e para todas as atividades humanas e  foi o tema focalizado no início. Destacamos o estresse hídrico que existe em muitas partes do mundo e do Brasil e as disputas e conflitos crescentes por esse recurso.  Como nosso corpo é composto em 70% por água, isso facilita percebermos nossa unidade com a natureza e que somos parte integrante dela. Nesse contexto, aplicar métodos e técnicas de resolução não violenta de conflitos e de mediação e prevenção de conflitos é um modo de lidar com o tema da água, que cada vez será mais valioso. Daí a importância do trabalho da Unipaz com a ecologia integral e com a cultura de paz.

Em seguida, fizemos um exercício de calcular a pegada ecológica individual de cada um. Ou seja, qual o espaço em hectares necessário para sustentar o estilo de vida e os padrões de consumo de cada aprendiz.  A pegada ecológica é um indicador de sustentabilidade que nos ajuda a tomar consciência do peso que exercemos sobre a Terra com nossos hábitos de consumo e estilo de vida. Identificamos quais os fatores que mais contribuem para tornar pesada a pegada ecológica – transportes, automóvel, geração de lixo, consumo de alimentos produzidos longe do local de consumo, gastos de energia. Cada um pode então avaliar o seu peso ecológico e imaginar maneiras de caminhar com mais leveza. Em geral  nas turmas da Unipaz e nas turmas de aprendizes em universidades, a pegada ecológica sempre está mais pesada do que a média brasileira e mundial. O exercício de calcular a pegada ecológica  ajuda as pessoas a tomarem consciência dos impactos que causam ao ambiente exterior.

Uma apostila foi previamente preparada e distribuída. A turma é dividida em sete grupos de até quatro aprendizes. Cada grupo lê um dos textos e depois o relata para o restante da turma: os temas  escolhidos para a apostila são atualizados a cada ano em que ofereço esse seminário. Em 2019,   havia textos sobre paz e ecologia, sobre a ecologização da economia e o papel dos acionistas engajados; sobre os modos de exercer as atitudes ecológicas no cotidiano, nos vários papéis que cada um representa, como cidadão, consumidor, eleitor, educador, etc. Um tema sensibilizador é o consumismo infantil, pois muitas mães e pais convivem diariamente com essas questões. São mostrados os problemas, mas também as respostas e boas iniciativas para lidar com o consumismo infantil, tais como as ações do Instituto Alana e do movimento por uma infância livre de consumismo. Foi abordada a questão de desejo e de como lidar com ele. Ao final, frases selecionadas inspiradoras  mostraram  modos de atuar espiritualmente em relação ao consumo.

A parte final desse primeiro dia do seminário foi dedicada a uma visão mais ampla. Distanciando-se da conjuntura do dia a dia e dos problemas imediatos, viajou-se no tempo e no espaço, abordando a grande transição atual na perspectiva da evolução;  a unidade do micro e do marco, a jornada da humanidade desde seus primórdios até o dia de hoje, grandes cenários prospectivos e visões sobre para onde vamos como humanidade e como espécie, como enfrentar a grande crise da evolução que engloba todas as demais crises.” (Depoimento de Maurício Andrés)

No dia seguinte, arte e música trouxeram uma perspectiva complementar sobre como lidar com a paz e a consciência ecológica tendo sido conduzido pelo grupo Voz e Poesia, formado por Luciano Luppi, Ivana Andrés e Evaldo Nogueira. O tema foi tratado a partir da arte, da música e da poesia. As artes lidam com o emocional, com o intuitivo, com sentimentos, caminhos poderosos para despertar a sensibilidade ecológica.

“Foi apresentado o show Cartas Poéticas, um show interativo no formato de consultas poéticas e musicais. É um trabalho que tem sido levado aos mais diversos públicos e que lida com a Ecologia Humana.

A ideia é simples e, ao mesmo tempo, de grande impacto emocional. Num espaço intimista, é colocada uma mesa para uma "consulta poética", através de cartas previamente elaboradas. Os espectadores são convidados a participar do jogo. Então, um primeiro participante, apenas mentalmente, elabora uma questão e escolhe uma carta do baralho. A carta escolhida identifica uma poesia e uma música que serão interpretados pelos artistas, ali, naquele momento, como uma suposta resposta poética para a questão trazida pelo espectador. Ele recebe uma cópia escrita da poesia e letra da música e retorna para o seu lugar na platéia. Outro espectador apresenta-se e o jogo das "consultas poéticas" continua. Entre as consultas são feitos comentários que poderão ajudar na contextualização da poesia na vida cotidiana e profissional. O repertório propicia momentos de emoção e valorização da vida.

Após o Cartas Poéticas, o grupo apresentou um show focalizando o desastre/ crime ambiental das mineradoras em Minas Gerais, com poemas de Carlos Drummond de Andrade e Ailton Krenak, entre outros.

Em seguida foi realizada uma vivência grupal que trabalhava movimentos em duplas,  visando a sinergia entre pessoas, bem como a realização de uma poesia coletiva com o tema “Carta à Mãe Terra”. Para finalizar, foi apresentado o poema “Os doze trabalhos”, de Martin Shulmann, que lida com os doze signos. É um poema interativo, onde Deus chama suas doze crianças e a cada uma delas dá um dom e uma função. Cada participante do seminário se levantava no momento em que seu signo era chamado, afim de receber seus dons e, de posse deles, sair pelo mundo para realizar suas tarefas.” (Depoimento de Ivana Andrés)

*Fotos de Maurício Andrés

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ESCOLA GUIGNARD, 75 ANOS

A Escola Guignard festejou, no dia 28 de fevereiro, 75 anos de sua inauguração.

Recebi uma comunicação, via internet, me convidando para esta celebração no parque municipal. Os professores e  ex-alunos subscreviam o convite com um pequeno cartaz de nosso mestre Guignard. Neste evento eu seria homenageada.

O carinho do convite me sensibilizou. Sou muito ligada a esta Escola que frequentei há 75 anos atrás.

Preparei-me para comparecer, mas tão logo estava

pronta para sair de casa uma chuva forte caiu sobre Belo Horizonte.

Acompanhei o evento à distância. Mandaram-me fotos. Ali, estavam muito alunos, gente jovem, com vontade de fazer arte. As fotos são lindas, parecem pinturas de Renoir. Jovens com pranchetas estavam sentados no gramado desenhando o ambiente poético do parque, exatamente como fazíamos há 75 anos atrás. No momento, os alunos seguem a orientação do professor Gouveia.

Um toque saudoso na minha memória me fez recordar o meu tempo de estudante, quando Guignard iniciou aquele curso moderno rompendo o ensino acadêmico de Belo Horizonte. Guignard promoveu a ruptura do academicismo que se instalara em Minas Gerais. Fomos pioneiros de novas ideias e de uma nova arte. Ali, debaixo de árvores frondosas, a sombra de bambuzais, nós nos dispúnhamos a buscar dentro de nós mesmos uma recriação  da natureza. O mestre estava ali para nos incentivar. Jogava uma pedra no lago para observarmos os círculos que ali se formavam, mandava os alunos observarem as nuvens no céu, as árvores e as raízes retorcidas. Os alunos observavam a natureza e  desenhavam com lápis 6H. O lápis duro não possibilitava o uso da borracha e os alunos ficavam atentos aos detalhes da natureza. No silêncio, eles também descobriam a própria natureza interna.

Mas, voltemos ao evento no parque. Estamos em 2019 e não em 1944.. Achei a ideia de voltar ao parque uma iniciativa sensacional porque possibilita um diálogo com o passado.

De longe, desejo sucesso para todos os alunos e professores. Seguir o caminho da arte é benéfico, porque desperta o que temos de melhor dentro de nós. Que este seja o caminho de vocês, alunos iniciantes em arte.

Meus agradecimentos aos professores e ex-alunos da Escola que me convidaram e a todos aqueles que dão continuidade à nossa Escola Guignard.

*Fotos da internet

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